Поп-арт — Википедия
![](/800/600/https/upload.wikimedia.org/wikipedia/ru/thumb/f/ff/Hamilton-appealing2.jpg/250px-Hamilton-appealing2.jpg)
Поп-а́рт (англ. pop art, сокращение от popular art — популярное или естественное искусство) — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм. В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления. Фактически это направление в искусстве подменило традиционное изобразительное творчество — на демонстрацию тех или иных объектов массовой культуры или вещественного мира[1].
Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:
- изменяются масштаб и материал;
- обнажается приём или технический метод;
- выявляются информационные помехи и др.
Прото-поп[править | править код]
Хотя как британский, так и американский поп-арт появились в 1950-х годах, Марсель Дюшан и другие европейские художники, такие как Фрэнсис Пикабиа и Ман Рэй, предвосхитили его появление; кроме того, некоторые более ранние американские направления использовали в работах объекты культуры в неизменном виде[2]. В течение 1920-х годов картины, которые содержали обыденные предметы: американские коммерческие продукты и рекламу — создавали американские художники Патрик Генри Брюс, Джеральд Мерфи, Чарльз Демут и Стюарт Дэвис[3][4].
В Северной Америке поп-арт развивался иначе, чем в Великобритании[5]. В Соединённых Штатах поп-арт был реакцией художников: его появления совпало с возвращение к живописи жёстких контуров и репрезентативному искусству. Авторы использовали безличную, приземлённую реальность, иронию и пародию, чтобы обезоружить личную символику и живописную раскованность абстрактного экспрессионизма [2][6]. Предвестниками поп-арта в США были некоторые работы Ларри Риверса, Алекса Каца и Мана Рэя[7].
В отличие от США, поп-арт в послевоенной Великобритании, хотя и использовал иронию и пародию, оставался более академичным. Британские художники сфокусировались на динамичных и парадоксальных образах американской поп-культуры как на мощных манипулятивных символах, воздействовавших на стереотипы жизни в целом, одновременно улучшая благосостояние общества[6]. Ранний поп-арт в Британии был полон идей, представляющих собой взгляд со стороны на американскую популярную культуру[2]. Точно так же поп-арт был продолжением и отрицанием дадаизма[2]. Хотя поп-арт и дадаизм использовали одни и те же предметы, поп-арт заменил деструктивные, сатирические и анархические импульсы движения дада самостоятельным утверждением артефактов массовой культуры[2]. Среди европейских художников, создававших произведения поп-арта, такие артисты, как Пабло Пикассо, Марсель Дюшан и Курт Швиттерс.
Великобритания: Independent Group[править | править код]
Independent Group (IG), основанная в Лондоне в 1952 году, считается предвестником британского поп-арта[8][9]. Она объединила молодых художников, скульпторов, архитекторов, писателей и критиков, которые бросали вызов преобладающим модернистским подходам к культуре, а также традиционным взглядам на изобразительное искусство. Их групповые дискуссии посвящались влиянию поп-культуры на такие явления, как массовая реклама, кинематограф, промышленный дизайн, комиксы, научная фантастика и техника. На первом заседании IG в 1952 году один из её основателей, художник и скульптор Эдуардо Паолоцци, прочитал лекцию, иллюстрированную серией коллажей под названием Bunk!, которые он создал во время пребывания в Париже между 1947 и 1949 годами[8][9]. Коллажи состояли из «найденных предметов», таких как реклама, персонажи комиксов, обложки журналов и различная графика массового производства, в основном принадлежащих американской популярной культуре. Среди коллажей была работа Паолоцци «Я был игрушкой богача» ( I was a Rich Man’s Plaything, 1947), в которой впервые использовалось слово «поп», появляющееся в облаке дыма, выходящего из револьвера[8][10]. После первой лекции Паолоцци в 1952 году, IG сосредоточилась в основном на образах американской популярной культуры, в частности, на массовой рекламе[6].
По словам сына Джона Макхейла, термин «поп-арт» был впервые использован его отцом в 1954 году в разговоре с Фрэнком Корделлом[11], хотя другие источники называют автором термина британского критика Лоуренса Аллоуэя[12][13].
«Поп-арт» в качестве названия использовалось в дискуссиях членов IG во время второй сессии IG в 1955 году, а в печати он впервые появился в статье «Но сегодня мы собираем рекламу» (англ. But Today We Collect Ads), написанной членами IG Элисон и Питером Смитсоном в журнале
В Лондоне на ежегодной выставке молодых талантов Королевского общества британских художников (RBA) в 1960 году впервые были показаны работы, созданные под влиянием американской популярной культуры. В январе 1961 году выставке Young Contemporaries демонстрировались работы британца Дэвида Хокни, американца Р. Б. Китая, новозеландца Билли Эппла, британцев Аллена Джонса, Дерека Бошьера, Джо Тилсона, Патрика Колфилда, Питера Филлипса и Питера Блейка. Билли Эппл оформлял плакаты и приглашения на выставки Young Contemporaries 1961 и 1962 годов[18]. В том же 1961 году Хокни, Китай и Блейк выиграли призы на выставке John-Moores-Exhibition в Ливерпуле. Эппл и Хокни вместе отправились в Нью-Йорк во время летних каникул в Королевском колледже в 1961 году. Там Эппл познакомился с Энди Уорхолом. В итоге Хокни и Эппл перебрались в Соединенные Штаты
США[править | править код]
Хотя поп-арт зародился в начале 1950-х годов, в Америке самый большой рост интереса к направлению произошёл в 1960-е годы. Термин «поп-арт» был официально введён в употребление в декабре 1962 года: поводом стал «Симпозиум по поп-арту» (англ. Symposium on Pop Art), организованный Нью-Йоркским музеем современного искусства[19]. К этому времени американская реклама впитала многие элементы и идеи современного искусства и функционировала на очень сложном уровне. В результате американским художникам приходилось искать ещё глубже, чтобы найти новые выразительные стили, которые отличали бы искусство от хорошо разработанных и умных коммерческих материалов[6]. Британцы видели американскую популярную культуру со стороны, на отдалении, из-за чего их представления имели романтический, сентиментальный и юмористический подтекст. Американские художники, напротив, каждый день подвергались бомбардировке разнообразными продуктами массового производства, что требовало создавать более смелые и агрессивные работы [9].
В становлении американского поп-арта важную роль сыграли Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг[9]. Картины Раушенберга, имея сходство с более ранними работами Курта Швиттерса и других художников дадаизма, были посвящены социальным проблемам. Его подход заключался в создании искусства из эфемерных материалов. Используя актуальные события повседневной жизни Америки, он придал своим работам уникальное качество[9][20]. Работы Джонса и Раушенберга 1950-х годов классифицируются как неодадаистические и визуально отличаются от эталонного американского поп-арта, распространившегося с начала 1960-х годов[21][22].
Равное значение для американского поп-арта имеет Рой Лихтенштейн. Его работы, использование в них пародии, вероятно, сильнее чем что-то ещё определили основной посыл поп-арта
Картины Лихтенштейна, как и картины Энди Уорхола, Тома Вессельмана и других представителей поп-арта, имеют прямую связь с привычными образами американской популярной культуры, но в то же время относятся к предмету безлично, явным образом иллюстрируя идеализацию массового производства [9].
Энди Уорхол, наверное, является самой известной фигурой поп-арта. Искусствовед Артур Данто однажды назвал Уорхола «наиболее близким к идеалу примером философского гения в истории искусства»[19]. Уорхол пытался вывести поп-арт за пределы искусства и сделать образом жизни, и в своих работах уходил от человеческого влияния, которое выражается в иронии и пародии произведений его современников[25][26].
Ранние выставки в США[править | править код]
В 1959 и 1960 годах Клас Олденбург, Джим Дайн и Том Вессельманн провели первые показы произведений поп-арта в галерее Джадсона. В 1960—1964 годах они вместе с Джеймсом Розенквистом, Джорджем Сигалом и другими художниками выставлялись в «Зеленой галерее» на Манхэттене. В 1960 году Марта Джексон показала инсталляции и ассамбляжи на выставке
Дональд Фактор, сын Макса Фактора-младшего, коллекционер и соредактор авангардного литературного журнала Nomad, опубликовал в последнем номере журнала Nomad / New York эссе, описав новое направление в искусстве, хотя и не употребил термина «поп-арт». Названное «Четыре художника», оно было посвящено на Рою Лихтенштейну, Джеймсу Розенквисту, Джиму Дайну и Клэсу Ольденбургу[29].
В 1960-х годах Ольденбург, присоединившийся к поп-арту, организовал несколько хеппенингов, объединённых названием Ray Gun Theater. В качестве исполнителей в них приняли участие художники Лукас Самарас, Том Вессельман, Кэроли Шнееман, Фальстрём Эйвинд и Ричард Артшвагер, дилер Аннина Носей, искусствовед Барбара Роуз и сценарист Руди Вурлицер[30]. Первая жена Ольденбурга, Пэтти Муша, которая сшила многие из ранних мягких скульптур мужа, также была постоянной участницей хеппенингов. Этот дерзкий, часто юмористический подход к искусству в значительной степени расходился с преобладающей убеждением, что по своей природе искусство работает с «глубокими» чувствами или мыслями. В декабре 1961 года Ольденбург арендовал магазин в Нижнем Ист-Сайде на Манхэттене, чтобы разместить в нём «Магазин» (The Store) — просуществовавшую месяц инсталляцию, впервые представленную в галерее Марты Джексон в Нью-Йорке, которую составляли скульптуры, имитировавшие товары широкого потребления[30].
Открывшаяся в 1962 году нью-йоркская галерея Sidney Janis, с которой сотрудничал лидер абстрактного экспрессионизма Виллем де Кунинг, организовала новаторскую «Международную выставку новых реалистов» (International Exhibition of the New Realists), собравшую работы нового реализма Америки, Франции, Швейцарии, Италии и британского поп-арта. Среди 54 представленных художников были Ричард Линднер, Уэйн Тибо, Рой Лихтенштейн (и его картина 1962 года Blam!), Энди Уорхол, Клас Олденбург, Джеймс Розенквист, Джим Дайн, Роберт Индиана, Том Вессельманн, Джордж Сигал, Питер Филлипс, Питер Блейк (The Love Wall 1961 года), Ив Кляйн, Арман, Даниэль Споерри, Кристо и Миммо Ротелла. Выставку в Нью-Йорке посетили европейцы Мартиал Рейссе, Ники де Сен-Фалль и Жан Тингели, которые были ошеломлены масштабом и видом американского искусства. Также были показаны работы Марисоль Эскобар, Марио Скифано, Энрико Байя и Ойвинда Фальстрёма. Галерея потеряла некоторых из художников абстрактного экспрессионизма: Марк Ротко, Роберта Мазервелл, Адольфа Готлиба и Филиппа Густона — но получила взамен Дайна, Ольденбурга, Сигала и Вессельмана[31]. На премьерном вечере, организованном коллекционером Бертоном Тремейном, появился Виллем де Кунинг, но Тремейн, который владел рядом работ художника, его не пустил. Розенквист вспоминал: «В тот момент я подумал, что в мире искусства определенно что-то изменилось»[19]. Подобное отношение к уважаемому художнику абстрактного экспрессионизма доказало, что уже в 1962 году направление поп-арта стало доминировать в художественной культуре Нью-Йорка.
Чуть раньше на Западном побережье Рой Лихтенштейн, Джим Дайн и Энди Уорхол из Нью-Йорка; Филипп Хеффертон и Роберт Дауд из Детройта; Эдвард Руша и Джо Гуд из Оклахома-Сити; и Уэйн Тибо из Калифорнии стали участниками выставки New Painting of Common Objects. Эта первая музейная выставка поп-арта в США прошла Художественном музее Пасадины под руководством Уолтера Хоппса[32]. Поп-арт был готов изменить мир искусства. Нью-Йорк последовал примеру Пасадины в 1963 году, когда в Музее Гуггенхайма открылась выставка Six Painters and the Object под руководством Лоуренса Аллоуэя . Выставлялись работы Джима Дайна, Джаспера Джонса, Роя Лихтенштейна, Роберта Раушенберга, Джеймса Розенквиста и Энди Уорхола[33]. Еще одной ключевой выставкой стала The American Supermarket, организованная галереей Бьянкини в 1964 году. Она была оформлена в виде интерьера типичного супермаркета, за исключением того, что всё в нем: продукты, консервы, мясо, плакаты на стенах — было создано видными художниками поп-арта того времени, в том числе Билли Эпплом, Энди Уорхолом, Роем Лихтенштейном, Томом Вессельманом, Класом Ольденбургом и Джаспером Джонсом. Этот проект был воссоздан в 2002 году как часть выставки Shopping: A Century of Art в галерее Тейт[34].
К 1962 году художники поп-арта начали выставляться в коммерческих галереях в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе; для некоторых это были первые коммерческие персональные выставки. Галерея «Ферус» в 1962 году представила в Лос-Анджелесе Энди Уорхола, в 1963 году — Эда Рушея. В Нью-Йорке в «Зеленой галерее» прошли показы работ Розенквиста, Сигал, Ольденбурга и Вессельманн. Stable Gallery провела выставки Индианы и Уорхола (для последнего это была первая персональная выставка в Нью-Йорке). Галерея Лео Кастелли представила Раушенберга, Джонса и Лихтенштейна. Марта Джексон показала Джима Дайна, а Аллен Стоун — Уэйна Тибо. К 1966 году, после закрытия «Зеленой галереи» и галереи «Ферус», в галерее Лео Кастелли выставлялись Розенквист, Уорхол, Раушенберг, Джонс, Лихтенштейн и Рушей. Галерея Sidney Janis демонстрировала работы Ольденбурга, Сигала, Дайна, Вессельманна и Марисоль, в то время как Аллен Стоун продолжал показы Тибо, а Марта Джексон — представлять Роберта Индианы[35].
В 1968 году выставка São Paulo 9 Exhibition – Environment U.S.A.: 1957–1967 выпустила справочник «Кто есть кто в поп-арте». Считающуюся итогом классического периода американского поп-арта, выставку курировал Уильям Зейц. В ней приняли участие художники Эдвард Хоппер, Джеймс Гилл, Роберт Индиана, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн, Клас Олденбург, Роберт Раушенберг, Энди Уорхол и Том Вессельманн[36].
Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ. Hilton Kramer) из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту[37].
Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Кьюниц также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма и буржуазии». Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс»[38].
![](/800/600/https/upload.wikimedia.org/wikipedia/ru/thumb/2/22/FreeStamp.jpg/220px-FreeStamp.jpg)
![]() | Список примеров в этом разделе не основывается на авторитетных источниках, посвящённых непосредственно предмету статьи или её раздела.Добавьте ссылки на источники, предметом рассмотрения которых является тема настоящей статьи (или раздела) в целом, а не отдельные элементы списка. В противном случае раздел может быть удалён. |
Поп-арт — популярный, мимолётный, остроумный, быстрозабываемый, сексуальный, молодой.
Поп — это любовь, так как поп признаёт всё… Поп подобен разрыву бомбы. Это американская мечта, оптимистичная, щедрая и наивная.
- ↑ В. Г. Власов. Иллюстрированный художественный словарь. — СПб.: Икар, 1993. — С. 173.
- ↑ 1 2 3 4 5 Piper, David. The Illustrated History of Art,
- ↑ Modern Love (англ.) // The New Yorker : magazine. — Condé Nast, 2007. — 6 August.
- ↑ Wayne Craven, American Art: History and . p.464.
- ↑ de la Croix, H.; Tansey, R., Gardner’s Art Through the Ages, New York: Harcourt Brace Jovanovich, Inc., 1980.
- ↑ 1 2 3 4 Gopnik, A.; Varnedoe, K., High & Low: Modern Art & Popular Culture, New York: The Museum of Modern Art, 1990
- ↑ History, Travel, Arts, Science, People, Places | Smithsonian (неопр.). Smithsonianmag.com. Дата обращения 30 декабря 2015.
- ↑ 1 2 3 Livingstone, M., Pop Art: A Continuing History, New York: Harry N. Abrams, Inc., 1990
- ↑ 1 2 3 4 5 6 7 Arnason, H., History of Modern Art: Painting, Sculpture, Architecture, New York: Harry N. Abrams, Inc. 1968.
- ↑ ‘I was a Rich Man’s Plaything’, Sir Eduardo Paolozzi (неопр.). Tate (10 декабря 2015). Дата обращения 30 декабря 2015.
- ↑ John McHale (неопр.). Warholstars.org. Дата обращения 30 декабря 2015.
- ↑ «Pop art», A Dictionary of Twentieth-Century Art, Ian Chilvers. Oxford University Press, 1998.
- ↑ «Pop art», The Concise Oxford Dictionary of Art Terms, Michael Clarke, Oxford University Press, 2001.
- ↑ Alison and Peter Smithson, «But Today We Collect Ads», reprinted on page 54 in Modern Dreams The Rise and Fall of Pop, published by ICA and MIT, ISBN 0-262-73081-2
- ↑ Lawrence Alloway, «The Arts and the Mass Media,» Architectural Design & Construction, February 1958.
- ↑ 1 2 Klaus Honnef, Pop Art, Taschen, 2004, p. 6, ISBN 3822822183
- ↑ Lawrence Alloway: Die Entdeckung von Pop in England, in: Lucy R. Lippard. Pop Art. München, 1968. S. 27
- ↑ 1 2 Barton, Christina. Billy Apple: British and American Works 1960-69 (англ.). — London: The Mayor Gallery, 2010. — P. 11—21. — ISBN 978-0-9558367-3-2.
- ↑ 1 2 3 4 Scherman, Tony. «When Pop Turned the Art World Upside Down.» American Heritage 52.1 (February 2001), 68.
- ↑ Sandler, Irving H. The New York School: The Painters and Sculptors of the Fifties, New York: Harper & Row, 1978. ISBN 0-06-438505-1 pp. 174–195, Rauschenberg and Johns; pp. 103–111, Rivers and the gestural realists.
- ↑ Robert Rosenblum, «Jasper Johns» Art International (September 1960): 75.
- ↑ Hapgood, Susan, Neo-Dada: Redefining Art, 1958-62. New York: Universe Books, 1994.
- ↑ Hendrickson, Janis. Roy Lichtenstein (неопр.). — Cologne, Germany: Benedikt Taschen, 1988. — С. 31. — ISBN 3-8228-0281-6.
- ↑ Michael; Kimmelman. Roy Lichtenstein, Pop Master, Dies at 73 (англ.) // New York Times : newspaper. — 1997. — 30 September.
- ↑ Michelson, Annette, Buchloh, B. H. D. (eds) Andy Warhol (October Files), MIT Press, 2001.
- ↑ Warhol, Andy. The Philosophy of Andy Warhol, from A to B and back again. Harcourt Brace Jovanovich, 1975
- ↑ The Collection (неопр.). MoMA.org. Дата обращения 30 декабря 2015.
- ↑ The Great American Pop Art Store: Multiples of the Sixties (неопр.). Tfaoi.com. Дата обращения 30 декабря 2015.
- ↑ Diggory (2013).
- ↑ 1 2 Kristine McKenna (July 2, 1995), When Bigger Is Better: Claes Oldenburg has spent the past 35 years blowing up and redefining everyday objects, all in the name of getting art off its pedestal Los Angeles Times.
- ↑ Reva Wolf. Andy Warhol, Poetry, and Gossip in the 1960s (неопр.). Books.google.com. Дата обращения 30 декабря 2015.
- ↑ Museum History » Norton Simon Museum (неопр.). Nortonsimon.org. Дата обращения 30 декабря 2015.
- ↑ Six painters and the object. Lawrence Alloway [curator, conceived and prepared this exhibition and the catalogue (Computer file)] (неопр.). WorldCat.org (24 июля 2009). Дата обращения 30 декабря 2015.
- ↑ Gayford. Still life at the check-out (неопр.). The Telegraph. Telegraph Media Group Ltd (19 декабря 2002). Дата обращения 28 ноября 2012.
- ↑ Pop Artists: Andy Warhol, Pop Art, Roy Lichtenstein, Jasper Johns, Peter Max, Erró, David Hockney, Wally Hedrick, Michael Leavitt (May 20, 2010) Reprinted: 2010, General Books, Memphis, Tennessee, USA, ISBN 978-1-155-48349-8, ISBN 1-155-48349-9.
- ↑ Jim Edwards, William Emboden, David McCarthy: Uncommonplaces: The Art of James Francis Gill, 2005, p.54
- ↑ Хоннеф, Клаус. Поп-арт / Под ред. Уты Гросеник. — Москва: Taschen / «Арт-родник», 2005. — С. 12—13. — (Стили, течения и направления в искусстве). — ISBN 5-9561-0142-3.
- ↑ Там же. С. 13.
Поп-арт
Ключевые моменты
1. Создавая картины и скульптуры, изображающие объекты массовой культуры и медиа-звезд, представители поп-арта стремились размыть границы между «высокой» и «низкой» культурой. Одной из важнейших характеристик поп-арта является концепция того, что в культуре не существует никакой иерархии, а искусство может питаться из любого источника.2. Можно было бы сказать, что абстрактные экспрессионисты в своей работе опирались на душевные травмы, в то время как представители поп-арта искали выражение тех же травм в опосредованном мире рекламы, комиксов и поп-культуры в целом. Однако более точным было бы предположение, что поп-художники первыми поняли, что в принципе не существует непосредственного доступа к чему бы то ни было, будь то человеческая душа, природный мир или любая искусственная среда. Они верили, что все в мире взаимосвязано, и пытались воплотить эти связи в своих работах.
3. Несмотря на то, что поп-арт включает в себя широкий спектр работ, созданных под влиянием очень разных взглядов и позиций, большую часть из них характеризует некоторая эмоциональная отстраненность. В отличие от «горячей» экспрессии, свойственной предыдущему поколению, поп-арт отличает «прохладная» двойственность. Предметом долгих споров был вопрос о том, является ли это следствием принятия художниками поп-культуры, или же наоборот — ее отвержения.
4. На первый взгляд, представители поп-арта с энтузиазмом относились к новой поствоенной Америке с ее промышленным и медийным расцветом. Некоторые критики считали выбор поп-художниками тем для работы следствием восторженного одобрения капиталистического рынка и наводнивших его разнообразных товаров. В то же время другие искусствоведы считали превращение художниками повседневности в высокое искусство своего рода культурной критикой: создавая арт-объект на основе обыденного продукта массовой индустрии, они тем самым подчеркивали тенденцию превращения произведений искусства в товары.
5. Большинство представителей поп-арта начинали свою карьеру в коммерческом искусстве. Энди Уорхол был успешным журнальным иллюстратором и графическим дизайнером. Дизайнером же работал и Эд Рушей, а Джеймс Розенквист начинал с разрисовывания биллбордов. Благодаря этим первым шагам в искусстве художники получили мощное подспорье для дальнейшей работы, своего рода визуальный словарь массовой культуры, и приемы, позволявшие объединять сферы высокого искусства и поп-культуры.
как бытовой обиход стал предметом искусства
Смотри какая классная статья
Стиль поп-арт — это движение, которое возникло в период растущего процветания и потребительства в Америке и Великобритании после Второй мировой войны. Поп-арт — это восстание против элитарности изобразительного искусства. Для этого стиль характерны сосредоточение внимания на образах популярной культуры, таких как комиксы, реклама и предметы повседневного обихода, доступные обычному человеку.
С момента своего появления в 1950-х годах и до своего расцвета в 1960-х годах этот стиль опирался на иронию, чтобы прославлять мирские и даже безвкусные особенности поп-культуры. Поп-арт очень авангардный стиль и его выдающимися художниками можно смело назвать Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн.
История поп-арт
История этого стиля сводится к уникальным событиям в Америке и по всей Великобритании. Чтобы понять, как он стал таким популярным в США в 1960-м годах, нужно вернуться на десять лет назад и посмотреть, как он развивался в Великобритании в 1950-х годах.
Великобритания
В Британии это движение началось с собрания художников в Лондоне, известного как Независимая группа. Это была пестрая команда повстанцев, которые хотели перевернуть популярную тогда модернистскую интерпретацию культуры и общества. Известно, что такие встречи творческих мятежников, которые хотят бороться со статус-кво своего времени, довольно часто встречаются истории искусства, и выдающийся пример — импрессионисты во Франции конца 19-го века.
У «Независимой группы» состоялось несколько встреч в течение 1950-х годов, и они считаются предшественниками стиля поп-арта. На каждой встрече обсуждалось влияние поп-культуры на фильмы, комиксы, фантастику, рекламу и технологии. Уникальность этих встреч была двоякой:
1) Фактически именно во время этих дискуссий был придуман термин «поп-арт»
2) Большая часть обсуждаемые материалов на этих встречах показала одержимость элементами как раз американской поп-культуры
Как бы ни были увлекательны эти посиделки для дизайнеров и художников, которые выступали за право на жизнь образов поп-культуры в изобразительном искусстве, рассвет этого движения произошёл в США. Благодаря этим, казалось бы, поверхностным встречам «Независимой группы», основы для бума поп-арта были заложены.
Америка
Воодушевленная пиком процветания, который ознаменовал окончание Второй мировой войны и наступления мирного времени, Америка в 1950-х и 1960-х годах стала очагом роста для людей средней прослойки населения. Возвращались военнослужащие, которые пополняли ряды среднего класса, тем самым создавая ещё больше спроса на популярные повседневные продукты. Начали своё активное развитие и средства массовой информации, такие как телевидение и радио.
Короче говоря, почва была готова для того, чтобы появилось новое движение.
Благодаря «Независимой группе» в Британии, которая появилась десятилетием ранее, к 1960-м годам поп-арт в Штатах уже набирал обороты. Этот термин был официально обнародован на симпозиуме Музея Современного Искусства, который состоялся в декабре 1962 года.
Характеристика поп-арта
Это очень своеобразный и безусловно запоминающийся стиль. Поскольку поп-арт был своеобразным бунтом против фальшивых тем высокого искусства, поэтому вы не увидите в работах этого стиля таких тем, как религия, мифология или история. Однако, так как многие из его знаменитых художников работали с графическим дизайном (например, Уорхол), произведения в стиле поп-арт живые, броские и радуют глаз.
Вот отличительные характеристики:
- яркие цветами
- овладевающая вниманием интересная типографика
- замысловатые формы, узоры и линии
- повседневные и обыденные темы и предметы
- стилизованные иллюстрации и рисунки
- стиль нацелен на молодую аудиторию.
Вот ещё больше примеров того, что делает поп-арт таким особенным:
Поп-арт в графическом дизайне
Графический дизайн, вероятно, самая большая площадка для поп-арт художников, просто потому, что один из прородителей этого направления, Уорхол, сам был графическим дизайнером. Вот несколько очень увлекательных примеров этой тенденции в графическом дизайне.
32 консервных супа Энди Уорхола
Некоторые из нас действительно наслаждаются Супом Кэмпбелл в холодные, дождливые дни, когда нам нужно что-то, чтобы согреться и получить удовольствие. В случае с Уорхолом он создавал шедевры поп-арта, используя банки с супом Кэмпбелла для вдохновения. Это было действительно произведением искусства, которое вытолкнуло поп-арт в мейнстрим, поскольку он был одним из первых в своем роде, который централизовал объект ежедневного использования как предмет живописи.
Произведение Уорхола состоит из 32 полотен, на каждом из которых изображена банка с супом Кэмпбеллс, и на каждом полотне свой вкус, что соответствует ассортименту компании в начале 1960-х годов. Уникальный внешний вид этого произведения был создан благодаря методу печати, который основывался на не живописном стиле.
Чарльз Демут — «Я увидел цифру 5 в золоте»
Работа Демута 1928 года важна для развития поп-арта по ряду причин. Во-первых, его часто считают предшественником поп-арта, из-за его широкого применения ярких, смелых цветов и форм ещё на десятилетие раньше. Во-вторых, проницательные наблюдатели заметят, что его работы вдохновлены кубизмом и футуризмом, (эти два стиля были на подъеме в то время).
Хотя это может быть неочевидно на первый взгляд, на картине Демута изображена пожарная машина, движущаяся по улицам Нью-Йорка под дождем ночью. Его произведение основано на поэме Уильяма Карлоса Уильямса под названием «Великая фигура», где описана эта же сцена. Обратите внимание на широкое использование цветового контраста, ярких цветов, геометрических фигур (почти напоминающих дизайн в стиле ар-деко ) и привлекательной типографики.
Читайте также:
особенности стиля, фото – Rehouz
Бурные 60-е, яркие цвета, четкие геометрические формы, необычные фактуры, много глянца и пластика, газетные вытяжки и рекламные постеры на стенах, триптих Мерилин Монро, вазы из консервных банок, – первые ассоциации, возникающие при упоминании стиля поп-арт. Поп-арт рассматривает привычные вещи как произведения искусства, главной своей чертой провозгласив образы продуктов питания и потребления.
![Поп-арт в интерьере Поп-арт в интерьере](/800/600/https/rehouz.info/wp-content/uploads/2016/09/pop-art-v-interiere-1-min.jpg)
≡ Содержание:
Стиль поп-арт перекочевал в интерьеры квартир и домов из художественных галерей в 1950-х годах и явился своеобразным откликом на абстрактный экспрессионизм. Такой стиль применяется и сейчас, его можно использовать практически для любого помещения в квартире. Поп-арт подходит молодым активным людям, которые любят эпатажные решения и не боятся шокировать окружающих.
Материалы и отделка помещений
Для интерьера в стиле поп-арт характерны глянцевые поверхности и использование разных видов пластика. Этот стиль допускает применение как натуральных, так и синтетических материалов, за основу берутся пластмасса, металл, бумага, стекло, возможно – натуральная и искусственная кожа.
- Потолок должен быть светлым и глянцевым, он может быть как одноуровневым, так и многоуровневым, асимметричным; допустимы любые варианты – окрашенный, натяжной, подвесной.
- Стены можно красить, оклеивать обоями, покрывать декоративной штукатуркой. Органичны обои с оптической иллюзией, когда в зависимости от угла обзора рисунок или меняется, или исчезает.
- Для отделки пола подойдет глянцевый ламинат или ковролин. Пол в интерьере может быть сложным, допустима установка подиума.
Цветовые решения
В основе стиля поп-арт лежит использование ярких контрастных цветов при отделке помещения. Ключевые тона – черный, белый, синий и красный, допустимы также неоновые оттенки. Наиболее популярный вариант — однотонные поверхности с яркими акцентами, однако, нередко встречаются и сочетания несочетаемых цветов, органично смотрится и черно-белая гамма.
![Поп-арт в интерьере гостиной поп-арт в интерьере гостиной комнаты](/800/600/https/rehouz.info/wp-content/uploads/2016/09/interer-v-stile-pop-art-4-min.jpg)
Стоит учитывать, что обилие красок быстро надоедает, поэтому желательно использовать в отделке поверхностей не более трех цветов, а яркими акцентами сделать мебель и аксессуары.
Обычно в поп-арт интерьере основную смысловую нагрузку несут стены. Традиционно используются два варианта оформления: стены белого или холодного серого цвета как фон для разных цветных акцентов – картин, постеров, фотографий, или цветные – в этом случае приветствуются яркие контрастные сочетания, цвета могут плавно переходить друг в друга. Органично будут смотреться всевозможные узоры – полосы, горох, геометрические фигуры. На одной из стен можно применить технику цикличности композиции, когда один элемент или узор многократно повторяется.Чтобы интерьер не выглядел перегруженным, пол и потолок должны быть нейтрального цвета. В качестве яркого акцента можно использовать ковер, соответствующий концепции – яркий, с четким геометрическим узором, или имитация звериной шкуры.
Мебель в стиле поп-арт
[ads_block]
Нельзя однозначно сказать, как должна выглядеть мебель в стиле поп арт. Главное – интересные формы и яркие краски. Это могут быть:
- дизайнерские стулья необычной формы;
- яркие журнальные столы;
- большие цветные диваны и кресла;
- кровать в форме сердца;
- разноцветные пластиковые полки и стеллажи;
- маленькие яркие пуфы;
- кресло в форме губ.
Материал для мебели может быть любым – пластик, дерево, стекло, приветствуются яркие обивочные ткани с рисунками.
Поп-арт в интерьере: декор и детали
Для декора интерьера в стиле поп арт незаменимы оригинальные скульптуры, постеры, фотографии знаменитостей в оригинальных рамках, затейливые стеклянные или пластиковые вазы. Приветствуются предметы, сделанные своими руками.
![Поп-арт в интерьере стиль поп арт в интерьере](/800/600/https/rehouz.info/wp-content/uploads/2016/09/6-min.jpg)
Важными атрибутами интерьера в стиле поп-арт являются картины, выполненные в кислотной гамме. Сюжет может быть любым – от портрета любимого кота, написанного с искаженной цветопередачей, до стилизованных фото современных кинозвезд или кумиров прошлого. Как правило, такие полотна создаются с помощью фотопечати.
Создать уют в помещении поможет текстиль – яркие шторы, ковровые дорожки, покрывала или диванные подушки кислотных цветов или с яркими узорами, постельное белье с принтами.
Освещение
Помещение в стиле поп-арт предполагает наличие оптических и световых эффектов, создаваемых при помощи зеркал, глянцевых покрытий, неоновой подсветки. В интерьер прекрасно впишутся лампы с яркими глянцевыми плафонами, светодиоды и точечные светильники.
Поп-арт – это эпатажный стиль, который подходит экспериментаторам и фантазерам. Однако обращаясь к нему, важно понять, соответствует ли стиль состоянию души владельца помещения и насколько комфортно ему будет жить в таком буйстве цвета и аксессуаров. Лучше погружаться в атмосферу поп-арта поэтапно, оформляя не все помещения сразу, а одно за другим.
Поп-арт в интерьере — фото
+ Похожие стили:
≡ Полный список стилей интерьера с фото →
Стиль живописи Поп-арт: развитие, мастера, произведения
Новое направление в искусстве появилось в середине ХХ века в Британии – Поп-арт (англ. pop-art, сокращение от popular art), целью которого было, в отличие от других направлений, не духовное развитие общества, а лишь развлечение.
Поп-арт это одна из веток авангардизма. Произведения в новом стиле были своеобразной реакцией на серьезность беспредметного искусства и других стилей, появившихся в ХХ веке, и не несли в себе никакого глубокого философского смысла, а всего лишь отражали влияние массовой культуры на общество потребления.
История развития Поп-арта
Поп-арт как художественное направление зародился в 50-х годах ХХ века в Англии, а в 60-х годах стиль получил своё дальнейшее развитие в США, Нью-Йорке. Основоположниками поп-арта стали художники Энди Уорхол и Джаспер Джонс.
В 1952 году в Лондоне открылось объединение художников поп-арта «Независимая группа», которой руководили художники Э. Паолоцци и Р. Гамильтон. Участники объединения изучали технологии создания современной рекламы и её влияние на сознание общества с помощью популярных образов — эмблем и логотипов товаров, изображений знаменитостей: актёров, певцов, телеведущих.
Художники поп-арта впервые продемонстрировали свой талант на выставке «Это — завтра», которая состоялась в Голливуде в 1956 году. На картинах были представлены звёзды Голливудского кино в кадрах из кинофильмов с увеличением. Выставка привлекла большое количество посетителей и вызвала явный интерес у многих выпускников школы искусств, которые решили примкнуть к этому течению.
Поп-арт был признан искусством социального равенства благодаря тому, что это направление эстетизировало товары массового потребления: упаковки из-под печенья и шоколадок, банки популярных газированных напитков — одним словом, предметов, которыми пользуются все люди, вне зависимости от материального положения и социального слоя.
Художники
Самые известные мастера поп-арта:
Кит Харинг — американский художник, скульптор и общественный деятель, автор известных карикатур. C детства увлекался комиксами, влияние этого увлечения сказалось на дальнейших работах художника. Известность пришла к Харингу после появления его работ по росписи на стенах Нью-Йоркского метрополитена в начале 80-х.
Дэвид Хокни – британский художник, один из основателей поп-арта, а так же один из лучших мастеров данного стиля.
Джаспер Джонс — американский художник, одна из ключевых фигур стиля поп-арт, автор большого количества авангардных работ с изображением флага США.
Рой Лихтенштейн – американский художник, знаменитый своими работами в стиле поп-арт, автор комиксов. Свои первые работы Рой создавал, используя картинки из мультфильмов и комиксов, при этом он применял технологию из промышленной печати.
Уэйн Тибо — американский художник, один из известнейших представителей стиля поп-арт, автор большого количества картин с изображением сладостей и игрушек.
Энди Уорхол (Andy Warhol) американский художник, по происхождению русин. Один из самых известных мастеров в истории поп-арта и современного искусства. Как и многие молодые художники, начинал он свою карьеру с оформления витрин магазинов. Одной из первых его работ было иллюстрирование журналов. Его рисунки отличались эксцентричностью и крайней необычностью исполнения.
Присущие особенности стилю поп-арт
В основе поп-арта лежит изображение популярного символа: портрета звезды кинематографа или эстрады, эмблемы или логотипа всем известного лакомства или напитка. Для поп-арта характерна техника в стиле коллажа, фотопечати, чередование разных текстур, яркие цвета, а также надписи в форме девиза или слогана, благодаря которым картина почти не отличается от рекламного плаката.
Критика и значение стиля в искусстве
Несмотря на интерес общества и большое количество приверженцев, находились искусствоведы, которые критиковали поп-арт. Знаменитый художественный критик Хилтон Крамер считал поп-арт слишком примитивным, прививающим вульгарность и безвкусицу обществу. По мнению критика, поп-арт — это не более чем обычная реклама, которую по ошибке назвали художественным направлением.
К его мнению присоединился критик С. Куница, который высказывал опасение в том, что поп-арт приведёт к формированию конформистского, бездуховного общества, которое не интересуется ничем, кроме ежедневного потребления товаров и услуг.
Сами представители поп-арта объясняли суть своего направления тем, что хотели вернуться к реальности, которая отсутствовала в произведениях художников-абстракционистов, и связать своё искусство с тем, что близко и понятно каждому современному человеку: кино, реклама, телевидение, индустрия товаров.
Со временем работы художников поп-арта оказали своё влияние на дизайн одежды и интерьера: некоторые работы были задействованы известными дизайнерами в качестве принта для одежды и декорирования помещений.
В одной из своих работ по аэрографии на холодильнике наши художнки использовали стиль поп-арт для воплощения в жизнь оригинальной и творческой задумки заказчиков
Арт-поп — Википедия
Арт-поп | |
---|---|
Направление | Поп-музыка |
Истоки | Поп-музыка[1] поп-арт[3] |
Место и время возникновения | Середина 1960-ых (Великобритания, США) |
Пост-панк[4], синти-поп[4], индустриальная музыка[4], vaporwave[5] | |
Арт-рок, мир искусства, авант-поп, коммерциализм, экспериментальный поп, глэм-рок, низкая культура, новая романтика, прогрессивный поп |
Арт-поп (англ. Art pop; также известны другие вариации названия артпоп и арт поп) — музыкальный жанр, широко охарактеризованный стиль в поп-музыке[6], вдохновлённый поп-артом, интегрированный элитарной и неэлитарной культурами и подчеркнутый манипуляциями с символами, стилем и жестами над самовыражением[7][8]. Арт-поп артисты вдохновляются постмодернизмом обращаясь к эстетике, а также к другим формам искусства, таким как мода, изящное искусство, кино и авангардной литературе[3][10]. Также жанр может отклоняться от традиционных поп-аудитории и рок-музыкальных конвенций[11], вместо этого исследуя такие идеи, как статус в поп-музыке как коммерческое искусство, понятия об искусственности и собственной личности и вопросы историзма[7].
Начиная с середины 1960-х годов, британские и американские поп-артисты, такие как Брайан Уилсон, Фил Спектор и The Beatles, стали включать идеи поп-арт движения во время записи музыки[6]. Британские арт-поп музыканты черпали вдохновение в своих учениях из академии художеств[10], когда в Америке арт-поп опирался на влиянии поп-арт художника Энди Уорхола и аффилированной к нему группой The Velvet Underground, а также пересекался с движением певцов и поэтов-песенников народной музыки[6]. Арт-поп пережил свой «золотой век» в 1970-х годах благодаря таким исполнителям, как Дэвид Боуи и Roxy Music, в чьих творчествах были охвачены театральность и одноразовость поп-культуры[13].
В конце 70-х и 80-х годов традиции арт-поп музыки были продолжены в таких жанрах, как пост-панк и синти-поп, а также в британской сцене новой романтики[4][11], развиваясь дальше с музыкантами, которые отказались от традиционных рок-инструментов и музыкальной структуры в пользу танцевальной музыки и синтезатора[11]. В 2010-х годах появились новые тенденции арт-попа, такие как хип-хоп художники, опираясь на визуальное искусство и художников vaporwave, исследующих чувства современного капитализма и интернета.
Арт-поп, как жанр, возник из распада постмодернизма опираясь на как на элитарное, так и на неэлитарное искусство с элементами современных проблем арт-поп артистов в плане социологической интерпретации и исторической достоверностью, при этом черпая вдохновение в понятии искусственности и коммерции[14]:
Если постмодернизм означает распад элитарных/неэлитарных культурных границ, то это означает также конец этого исторического мифа, в который входят арт-поп музыканты, усложнявшие социологические чтения о том, что означает музыка, вводя в действие свои собственные свидетельства подлинности и искушение.
В отличие от романтической и автономной традиции арт- и прогрессивного рока, в данном жанре подчёркивается манипуляция с разными символами и знаками, опирающихся на эстетику повседневного и одноразового[15]:
Исторически сложилось так, что «арт-рок» использовался для описания, по крайней мере, двух родственных, но разных видов рок-музыки[16]. Первый — это прогрессив-рок, в то время как второе употребление относится к группам, которые отвергли психоделию и контркультуру хиппи в пользу модернистского авангардного подхода, определённого группой The Velvet Underground[16] В рок-музыке 1970-х годов под «художественным» дескриптором, обычно, понимался как «агрессивный авангард», так и «претенциозный прогрессив».
Музыкальный социолог Саймон Фрит отличал присвоение искусства к поп-музыке как особую озабоченность модой, жестом и ироническим использованием исторических эпох и жанров[18]. Центральной частью для таких практикующих распространителей стиля были понятия о себе как о работе по строительству или искусству[11], а также озабоченное желание в создании разных терминов, изображений, процессов и влияний[19]. Ник Коулман из The Independent писал следующее: «Арт-поп отчасти касается отношения и стиля, но это так же касается и самого искусства. Это, если можно, способ сделать чистый формализм социально приемлемым в поп-контексте»[20].
Культурист-теоретик Марк Фишер писал, что развитие арт-поп музыки эволюционировало из триангуляции поп-музыки, искусства и моды[11]. В то же время Саймон Фрит утверждает, что это было «более или менее» вдохновленно непосредственно поп-арт искусством[3] (музыковед Аллан Мур предполагает, что термин «поп-музыка», возможно, возник из поп-арта[21]). По мнению критика Стивена Холдена, арт-поп часто относится к любому поп-стилю, который сознательно стремится к формальным ценностям классической музыки и поэзии, хотя эти работы часто продаются как коммерческий продукт, а не оседают в уважаемых культурных учреждениях[6]. DJ Taylor из The Independent и Питер Аспден из Financial Times отметили попытки арт-поп музыки дистанцировать свою аудиторию от широкой публики[22][23].
Предыстория[править | править код]
Во второй половине XX века границы между искусством и поп-музыкой стали более размытыми[24]. В 1960-е годы такие поп-музыканты, как Джон Леннон, Сид Барретт, Пит Тауншенд, Брайан Ино и Брайан Ферри начали черпать вдохновение из своих исследований в области художественной школы в прошлом[3]. Саймон Фрит заявляет, что в Великобритании художественная школа представляла собой «традиционный маршрут эвакуации для ярких детей рабочего класса, а также питательную среду для молодых групп, таких как The Beatles и выше»[14]. Арт-поп в Северной Америке был под влиянием Боба Дилана и бит-поколения и стал более литературным благодаря движению певца и поэта-песенника фолк-музыки[25]. Ещё до того, как арт-/прогрессивный рок стал самым коммерчески успешным британским звучанием в начале 1970-х годов, психоделическое движение в 1960-х объединило искусство и коммерциализм, разъяснив тем самым вопрос о том, что значит быть «артистом» в массовой среде[26]. Музыканты прогрессивной музыки считали, что художественный статус зависит от личной автономии, и поэтому стратегия «прогрессивных» рок-групп состояла в том, чтобы представить себя как исполнителей и композиторов «выше» обычной поп-деятельности[27].
Другим главным влиянием на развитие арт-попа стало новое движение в искусстве известное как поп-арт[25]. Сам термин «поп-арт», был впервые придуман для описания эстетической ценности товаров массового производства и был непосредственно применим к современному феномену рок-н-ролльной музыки (включая Элвиса Пресли, икона раннего поп-арта)[28]. По словам Саймона Фрита: «[Поп-арт] оказался сигналом конца романтизма — быть искусством без художников. Прогрессивный рок стал последней ставкой богемников… В этом контексте ключевым теоретиком поп-музыки был не [Ричард] Гамильтон или любой другой британский художник, который, несмотря на их интерес к массовому рынку, оставался только академическим поклонником, а Энди Уорхол. Для Уорхола значительной проблемой была не относительные достоинства „элитарного“ и „неэлитарного“ искусства, а отношения между всем искусством и „коммерцией“ в целом»[29]. Американская группа The Velvet Underground, чьими протеже был Уорхол, подражала синтезу искусства и поп-музыки присуще Уорхолу, вторя его акценту на простоте и новаторскому модернистскому авангардистскому подходу к арт-року, который игнорировал традиционные иерархии художественного представительства[30].
Когда The Velvet Underground впервые появились в середине 1960-х годов, они столкнулись с отказами и обычно увольнялись как «пидорская группа».
1960-е годы: Возникновение[править | править код]
Стивен Холден прослеживает истоки поп-музыки в середине 1960-х годов, когда такие продюсеры, как Фил Спектор и музыканты, такие как Брайан Уилсон из The Beach Boys, начали включать псевдосимфонические текстуры в свои поп-записи (оба являются американцами), а также первые записи The Beatles при участии струнного квартета[25]:
Благодаря своей влиятельной работе Уилсон и продюсер The Beatles Джордж Мартин распространили идею студии звукозаписи как творческую среду, которая могла бы помочь в процессе написания песен.[33]. Писатель Майкл Джонсон подчёркивает Pet Sounds (1966) группы The Beach Boys и Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band группы The Beatles (1967) в качестве первого документально подтвержденного «восхождения» рок-н-ролла[34]. Ричард Уильямс также приписывал Филу Спектору преобразование рок-музыки как исполнительского искусства в искусство, которое могло существовать только в студии звукозаписи и которая «проложила путь для арт-рока».
По словам писателя Мэтью Баннистера, Уилсон и Спектор были известны как «одержимые отшельники студии… [которые] обычно отсутствовали в своей собственной работе», и, как Уорхол, Спектор существовал «не как присутствующий, а как контролирующий или организующий принцип за и под поверхностью СМИ. Оба чрезвычайно успешные коммерческие художники, и оба одновременно отсутствуют и присутствуют в своих собственных творениях»[36]. Писатель Эрик Дэвис назвал арт-поп Уилсона «уникальным в истории музыки»[37], в то время как коллаборационист Ван Дайк Паркс сравнил его с современными работами Уорхола и художника Роя Лихтенштейна, сославшись на его способность поднимать обычный или избитый материал до уровня «высокого искусства»[38]:
По словам биографа Питера Эймса Карлина, который пришёл к выводу, что, за возможным исключением Уилсона, «The Beach Boys практически не проявляли заметного интереса к тому, что вы могли бы назвать миром идей[39]». Неизданная Smile Уилсона, задуманная и записанная в 1966-67 годах, была описана как попытка создать эру «великого арт-поп альбома»[40] и «выдающегося психоделического поп-арт заявления»[41].
В движении, которое было обозначено The Beatles, The Beach Boys, Филом Спектором и Фрэнком Заппа[42], доминирующий формат поп-музыки перешёл от синглов к альбомам, и многие рок-группы создали работы, которые стремились сделать великие художественные заявления, где арт-рок будет процветать[25]. Музыковед Ян Инглис пишет, что обложка альбома The Beatles 1967 года Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band была «воспринята как в значительной степени ответственная за связи между искусством и поп-музыкой»[43]. Хотя Sgt. Pepper’s предшествовало несколько альбомов, которые начали соединять линию между «одноразовой» поп- и «серьезной» рок-музыкой, он успешно дал установленный «коммерческий» голос альтернативной молодёжной культуре[44]. Писатель Майкл Джонсон писал, что арт-поп музыка будет продолжать существовать и после The Beatles, но никогда не достигнет по популярности их уровня успеха[34]:
Фрит сравнил сложный дизайн альбома с «чтением андеграундной прессы»… [умение, которое] всегда строилось вокруг чувства отличия от «массовой» поп-аудитории. Арт-рок был «выше» всех уровней. … обывателей нужно было держать подальше. Он также отмечает, что Заппа нацелился на проблему поп-коммерциализма с обложкой альбома The Mothers of Invention 1968 года We’re Only in It for the Money, который пародировал обложку Sgt.Pepper’s[45].
The Who были «первой поп-арт группой» по словам их менеджера, в то время как член группы Пит Тауншенд объясняет: «Мы выступаем за поп-арт одежду, поп-арт музыку и поп-арт поведение… мы не меняемся за кулисами, мы живём поп-артом»[46]. Фрит считает, что их альбом The Who Sell Out (декабрь 1967) «возможно, шедевр арт-попа», который использует «жизнеспособность» самой коммерции, тактику, повторяемую Роем Вудом из The Move, а затем Кевина Годли и Лола Крима из 10cc[46]. Идеи Тауншенда были известны своим акцентом на коммерциализм: «[его] использование риторики поп-арта… относится не к музицированию как таковому — к проблеме самовыражения, а к коммерческому музицированию, к вопросам оформления альбома (упаковке), продажи и рекламы, к проблемам популярности и славы»[46]. В интервью в мае 1967 года, Тауншенд придумал термин «пауэр-поп», чтобы описать музыку The Who, The Small Faces и The Beach Boys. Пауэр-поп позже развился как жанр, известный своей реконфигурацией тропов 1960-х[47].
1970-е годы: Нью-Йоркская сцена и глэм[править | править код]
- ↑ Holden, Stephen (February 28, 1999). «MUSIC; They’re Recording, but Are They Artists?». The New York Times.
- ↑ 1 2 3 4 Buckley, 2012, p. 21.
- ↑ 1 2 3 4 Fisher, Mark. You Remind Me of Gold: Dialogue with Simon Reynolds (англ.) // Kaleidoscope : journal. — 2010. — No. 9.
- ↑ Harper, Adam (December 7, 2012). «Comment: Vaporwave and the pop-art of the virtual plaza». Dummy.
- ↑ 1 2 3 4 Holden, Stephen (February 28, 1999). «MUSIC; They’re Recording, but Are They Artists?». The New York Times.
- ↑ 1 2 Frith, 1989, p. 116, 208.
- ↑ 1 2 Bannister, 2007, p. 184.
- ↑ 1 2 Fisher, 2014, p. 5.
- ↑ 1 2 3 4 5 Fisher, Mark (November 7, 2007). «Glam’s Exiled Princess: Roisin Murphy». Fact. London. Archived from the original on November 10, 2007.
- ↑ Lester, Paul (11 June 2015). «Franz and Sparks: this town is big enough for both of us». The Guardian.
- ↑ 1 2 Frith, 1989, p. 208.
- ↑ Frith, Horne, p. 98.
- ↑ 1 2 Bannister, 2007, p. 37.
- ↑ 60 minutes of music that sum up art-punk pioneers Wire (неопр.). The A.V. Club (28 мая 2015).
- ↑ Frith, 1989, p. 97.
- ↑ The Best of Roxy Music Shows Ferry’s Talent for Exploring Pop While Creating It (неопр.). Дата обращения 15 марта 2016.
- ↑ Live Box, The Independent, Independent Print Limited (31 августа 2003).
- ↑ Moore, 2016, «The (Very) Long 60s», pp. 12–13.
- ↑ DJ Taylor. Electric Shock: From the Gramophone to the iPhone: 125 Years of Pop Music by Peter Doggett, book review, The Independent (13 августа 2015). Дата обращения 15 марта 2016.
- ↑ Aspden, Peter. «The Sound and Fury of Pop Music.» Financial Times. 14 August 2015.
- ↑ Edmondson, 2013, p. 1233.
- ↑ 1 2 3 4 Holden, Stephen. MUSIC; They’re Recording, but Are They Artists? (28 февраля 1999). Дата обращения 17 июля 2013.
- ↑ Frith, Horne, p. 99.
- ↑ Frith, Horne, pp. 74, 99–100.
- ↑ Frith, Horne, p. 103.
- ↑ Frith, Horne, p. 108.
- ↑ Bannister, 2007, pp. 44–45.
- ↑ Bannister, 2007, p. 45.
- ↑ Aspden, Peter. «The Sound and Fury of Pop Music.» Financial Times. 14 August 2015.
- ↑ Edmondson, 2013, p. 890.
- ↑ 1 2 Johnson, 2009, p. 197.
- ↑ Williams, 2003, p. 38.
- ↑ Bannister, 2007, pp. 38, 44–45.
- ↑ Davis, Erik. Look! Listen! Vibrate! SMILE! The Apollonian Shimmer of the Beach Boys (9 ноября 1990). Архивировано 4 декабря 2014 года. Дата обращения 14 января 2014.
- ↑ Surf Music (неопр.). teachrock.org. Rock and Roll: An American History. Архивировано 25 ноября 2015 года.
- ↑ Carlin, 2006, p. 62.
- ↑ Richardson, Mark. The Smile Sessions review (англ.) // Pitchfork : online magazine. — 2011. — 2 November.
- ↑ Staton, Scott A Lost Pop Symphony (неопр.). The New York Review of Books (22 сентября 2005). Дата обращения 12 сентября 2013.
- ↑ Julien, 2008, pp. 30, 160.
- ↑ Julien, 2008, p. 102.
- ↑ Holm-Hudson, 2013, p. 10.
- ↑ Frith, Horne, pp. 57–58, 99.
- ↑ 1 2 3 Frith, Horne, p. 101.
- ↑ Powerpop: 10 of the best (неопр.). The Guardian (11 февраля 2015).
- Auslander, Philip. Performing Glam Rock: Gender and Theatricality in Popular Music. — University of Michigan Press, 2006. — ISBN 0-472-06868-7.
- Bannister, Matthew. White Boys, White Noise: Masculinities and 1980s Indie Guitar Rock. — Ashgate Publishing, Ltd., 2007. — ISBN 978-0-7546-8803-7.
- Buckley, David. Strange Fascination: David Bowie: The Definitive Story. — Random House, 2012. — ISBN 1-4481-3247-9.
- Carlin, Peter Ames. [[1] в «Книгах Google» Catch a Wave: The Rise, Fall, and Redemption of the Beach Boys’ Brian Wilson]. — Rodale, 2006. — ISBN 978-1-59486-320-2.
- Curtis, James M. Rock Eras: Interpretations of Music and Society, 1954–1984. — Popular Press, 1987. — ISBN 978-0-87972-369-9.
- Molon, Dominic & Diederichsen, Diedrich (2007), Sympathy for the Devil: Art and Rock and Roll Since 1967, Yale University Press, ISBN 978-0-300-13426-1
- Music in American Life: An Encyclopedia of the Songs, Styles, Stars, and Stories that Shaped our Culture. — ABC-CLIO, 2013. — ISBN 978-0-313-39348-8.
- Fisher, Mark. ‘Just When I Think I’m Winning’ // Ghosts of My Life: Writings on Depression, Hauntology and Lost Futures. — Zero Books, 2014. — ISBN 978-1-78099-226-6.
- Frith, Simon. Facing the Music: A Pantheon Guide to Popular Culture. — Pantheon Books, 1989. — ISBN 0-394-55849-9.
- Frith, Simon & Horne, Howard (2016), Art Into Pop, Routledge, ISBN 978-1-317-22803-5, <https://books.google.com/books?id=2Ej7CwAAQBAJ>
- Progressive Rock Reconsidered. — Routledge, 2013. — ISBN 978-1-135-71022-4.
- Landy, Leigh. What’s the Matter with Today’s Experimental Music. — Routledge, 2013. — ISBN 3-7186-5168-8.
- MacDonald, Ian. [[2] в «Книгах Google» Revolution in the Head: The Beatles’ Records and the Sixties]. — 3rd. — Chicago Review Press, 2005. — ISBN 978-1-55652-733-3.
- Johnson, Michael. Pop Music Theory. — Lulu.com, 2009. — ISBN 978-0-578-03539-0.
- Julien, Oliver. [[3] в «Книгах Google» Sgt. Pepper and the Beatles: It Was Forty Years Ago Today]. — Ashgate, 2008. — ISBN 978-0-7546-6708-7.
- Moore, Allan F. Song Means: Analysing and Interpreting Recorded Popular Song. — Routledge, 2016. — ISBN 978-1-317-05265-4.
- Reynolds, Simon. Rip It Up and Start Again: Postpunk 1978–1984. — Penguin Publishing Group, 2006. — ISBN 978-1-101-20105-3.
- Rojek, Chris. Pop Music, Pop Culture. — Polity, 2011. — ISBN 978-0-7456-4263-5.
- Williams, Richard. Phil Spector: Out of His Head. — Music Sales Group, 2003. — ISBN 978-0-7119-9864-3.
краткая история, особенности и интересные факты
Поп-арт возник на смену серьезному абстракционизму двадцатого века. Этот стиль по большей части основан на массовой культуре, поэтому он стал неким способом развлечения. Направление развивалось с помощью рекламы, трендов, а также моды. Никакой философии, духовности. Поп-арт (портреты) — один из разделов авангардного искусства.
Когда возник стиль?
![Знаменитый поп-арт](/800/600/https/fb.ru/misc/i/gallery/73201/2318619.jpg)
Доступность и простота – те качества, благодаря которым данный стиль имел невероятную популярность. Целью изначально была широкая аудитория, таким образом возможно охватить наиболее обсуждаемые образы. Именно поэтому стиль поп-арт стал одним из самых влиятельных художественных движений в живописи 20 века и не только.
Популяризация стиля
![Фотография Энди Уорхола](/800/600/https/fb.ru/misc/i/gallery/73201/2318615.jpg)
Если рассмотреть подробнее, то стиль обрел популярность в 1960-е, несмотря на то, что основан он был чуть ранее, в 1950-е годы. Местом зарождения считается Великобритания, а активный подъем случился в Соединенных Штатах Америки. Отцами-основателями культурного направления поп-арт стали Энди Уорхол и Джаспер Джонс.
Все начиналось с инициативы «Независимой группы», которая была основана в Лондоне в 1952 году среди предприимчивых художников и архитекторов. Городская народная культура дополнилась современными технологиями при написании полотен. На примере американской культуры мастера изучали влияние психологии на массовую аудиторию, глубинный смысл и содержание лингвистики. В основном увлекала промышленная реклама, актуальные технологии производства рекламы, распространение коллажей.
«Это — завтра»
1956 год. Открытие выставки поп-арта «Это — завтра». Современному обществу были представлены кинокадры всеми любимых фильмов, голливудские идолы, увеличенные образы. Многих вдохновил новый необычный стиль. После выставки большинство выпускников школ искусств и не только захотели присоединиться к новому течению.
Основные мотивы
![Еще одна работа великого мастера](/800/600/https/fb.ru/misc/i/gallery/73201/2319107.jpg)
Поп-арт (портрет) обладает главными характеристиками, по которым несложно понять, что это определенный стиль:
- Когда используют рисунки популярного искусства. Плакаты, граффити, комиксы, виниловые пластинки, графика Мэрилин Монро.
- Кричащие, яркие цвета. Протест обыденным монотонным стилям в интерьере. Только диско-треш и молодежный фанк.
- Предметная «пластмассовость» в интерьере. Яркие краски выгодно подчеркивают самобытность молодежной стилистики.
За основу взят первый мотив, но и другие отлично дополняют образ поп-арта. По сути, данный стиль не является самостоятельным, а лишь соединяет в себе всевозможные детали и создает конкретную гармонию.
Использование в интерьере
![Стиль в интерьере](/800/600/https/fb.ru/misc/i/gallery/73201/2318632.jpg)
Детали – это те элементы, с помощью которых проявляется вся многогранность поп-арта в интерьере.
- Свобода. Просторные площадки, высоченные потолки, минимализм. Отлично сочетается в дизайне гостиных комнат, общественных кафе.
- Светлый колорит. Как правило, белый фон визуально расширяет пространство. Кричащая яркая мебель всегда отлично вписывается в нейтральные оттенки.
- Креативность форм. Идейные создатели активно увлекались ретро-футуризмом, в дополнение к другим обывательским стилистикам. Когда находишься в интерьере стиля поп-арт, есть вероятность вспомнить добрую научную фантастику того времени.
- Минимальное количество мебели. Все та же идея простоты и простора. Загруженных областей в комнате поп-арта не будет. Лишь самое необходимое для жизни. Многофункциональные шкафы, тумбы, диваны.
- Многообразие аксессуаров. Несложно найти множество мелочей: такие, как элементы масс-культуры, цветастые детали и яркие акценты. Например, подушки, которые разбросаны по периметру, или же броские вешалки для одежды.
- Необычное световое решение. От света многое зависит. В том числе и настроение объекта. Ленты светодиода, жидкие светильники, подсветка потолков. Такие вещи особенно подмечаешь, когда все внимание приковано к свету.
Особенности стиля
![Шесть работ Энди Уорхола](/800/600/https/fb.ru/misc/i/gallery/73201/2319105.jpg)
Яркий, оригинальный стиль поп-арт подходит не каждому. Его нужно использовать в первую очередь там, где находится зона отдыха. Многие отмечают явную схожесть с китчем. Но на самом деле это два отличных друг от друга стиля. Вызов обществу, протест скуке, принятие собственного уникального вкуса, стремление выделяться – все это раскрывает данный стиль в выгодном свете.
Портрет в стиле поп-арт
Не теряет своей актуальности яркий сюрприз. Такой подарок будет кстати для всех ценящих экспрессию, стиль, креативность и, как правило, отрицающих простоту.
Ни для кого не секрет, что нужно дарить эмоции. Портрет в стиле поп-арт отлично справится с этой задачей. Яркий, модный, броский. Он тотчас обратит на себя внимание. Все, что есть в стилистике и подаче, отражается на рисунке. Художники всегда подмечают интересные детали и факты.
Мы видим новый всплеск популярности картин поп-арт, у каждого из нас появился шанс побаловать близких и друзей уникальным стильным портретом. Для многих это послужит примером, и они сами начнут совершать такие приятные и романтичные поступки.
Интересные факты
![Своеобразный стиль поп-арт](/800/600/https/fb.ru/misc/i/gallery/73201/2319095.jpg)
В начале возникновения данный продукт не зря был отмечен многими богатыми и влиятельными людьми того времени, ведь он полностью перевернул культурную значимость. Концепт движения изменил последователей стиля. Поп-арт признали во всем мире.
Лоуренс Элловей выпустил резонансную статью о вызове культурному обществу, где подробно расписал намерения юных талантов. Это произошло в Америке, но что интересно, критик был родом из Великобритании.
В большинстве случаев материал для работ поп-артщиков создается из всевозможной информации и использует технологию в сочетании с еще более интересными объектами. Рой Лихтенштейн, как никто другой, осознал это в свое время и использовал.
Зарождение поп-арта можно отнести к периоду поп-музыки тех лет, именно этот факт повлиял на развитие движения в Лондоне. Не нужно далеко ходить за примерами, Питер Блейк создал обложку для группы The Beatles и Элвиса Пресли, тем более что главной основой его произведений являлся портрет Бриджит Бардо, подобно ему Энди Уорхол в Нью-Йорке использовал портрет Мэрилин Монро.
Сравнивая английский подход и американский, можно абсолютно точно утверждать, что второй намного более агрессивен и ироничен по посылу.
Хотя не стоит забывать великий девиз Энди Уорхола, который стал своего рода символом американской культуры в целом: «Если все в мире делается машинами, то и я буду думать, как машина.»
Четкие мотивы, символика, резкие линии. Антиискусство во всех его проявлениях. Своеобразные дадаисты, отказавшиеся раз и навсегда от стандартизации мира. Принято считать, что самой популярной темой в работах поп-арт художников была пища, но это заблуждение: они отдавали большее предпочтение объектам простого быта и туалета.
Уорхол сделал так, чтобы продукция популярных производителей вышла на новый уровень, размножая логотипы топовых брендов в произведениях.
Заключение
Таким образом, столь уникальный и неповторимый популярный арт действительно перевернул представление об искусстве. Совершил некую революцию в художественном мире и не только. До сих пор многие художники, дизайнеры, декораторы вдохновляются, живут и творят с помощью данного стиля, а также используют поп-арт в интерьере. Стиля жизни под названием поп-арт. Мы думаем, что он еще долгие годы будет так же популярен, как и в середине двадцатого века.
Надеемся, что статья была для вас интересной, и вы сумели найти ответы на все вопросы. Спасибо за внимание, дорогие читатели. Цените искусство.